Moda Renacentista en Florencia
En Florencia, durante el Renacimiento, existía una moda masculina y femenina con elementos y tejidos específicos. La moda en Florencia en el pasado tenía casi las mismas dinámicas que la moda de hoy, pero con significados misteriosos que se esconden en los colores y los accesorios. En este artículo, te llevo a los museos de Florencia, te hablaré sobre los tejidos, los colores y otras curiosidades.
Moda y Vestuario del Renacimiento en los Museos de Florencia
En la Galería de los Uffizi y la Galería Palatina de los Médici en Florencia, se exponen numerosos retratos de hombres y mujeres del Renacimiento que lucen ropas y vestidos fastuosos, símbolos de estatus social y religión. A través de estas pinturas, es posible seguir un viaje por la historia de la moda y el vestuario florentino. No solo Florencia, muchas obras de arte nos muestran también la moda veneciana, milanesa y española del Renacimiento. Si te apasiona la moda, lea este artículo que puede ser útil para su visita en Florencia.
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Qué vestían las mujeres durante el Renacimiento
En Florencia, por ejemplo, si observamos la famosa pintura de Sandro Botticelli, “La Primavera”, quedamos deslumbrados por la sensualidad de las mujeres representadas con vestidos bordados con entrelazados de flores y plantas, otras llevan velos casi transparentes. Sin embargo, esta no era la realidad de la moda florentina. Las mujeres del Renacimiento vestían principalmente la Cotta y Giornea: una túnica o camisa, cubierta por una sobretúnica que en invierno era la Gamurra o Camora. La Camora era un vestido largo muy difundido.
Vestidos femeninos tradicionales renacentista
La Cotta y Giornea: una túnica o camisa, cubierta por una sobretúnica que en invierno era la Gamurra o Camora. La Camora era un vestido largo muy común que cubría todo el cuerpo y tenía un escote mediano, con mangas anchas que cubrían el cuerpo, con una cintura elevada. Con la introducción de la moda española a mediados del siglo XVI, la Camora comenzó a tener mangas abullonadas y fruncidas como podemos ver en la espléndida figura de Eleonora de Toledo, Granduquesa de Florencia. También la Cioppa era una parte fundamental de los vestidos femeninos. A menudo se superpone a la Gamurra, como un manto.
Agnolo Bronzino, Retrato de Eleonora de Toledo, Florencia
Si observamos abajo esta pintura de Antonio del Pollaiolo, vemos a una dama toscana que lleva la Camora, que aquí se convierte en un triunfo de terciopelo, oro y brocado. El vestido está confeccionado en un finísimo terciopelo brocado, blanco en el pecho y rojo en las mangas. Los motivos florales y vegetales en relieve que cubren especialmente las mangas, están hechos con hilos de seda y oro y se denominan “a broccatello”.
Antonio del Pollaiolo, Retrato de una dama, Berlín
Arte y Moda Renacentista
Muchas pinturas antiguas nos hablan de vestidos, joyas y peinados, pero algunas esconden símbolos y significados totalmente desconocidos para nosotros. Las ninfas de Botticelli en “La Primavera”, por ejemplo, visten ropas exclusivas y misteriosas. Los peinados son sueltos y libres. Las mujeres no llevan el tradicional tocado o moño que encontramos en otros retratos de la época. Se trata de alegorías mitológicas y neoplatónicas.
Primavera de Botticelli: cultura y indumentaria
La Primavera, pintura de Sandro Botticelli, es la obra de arte más famosa de Florencia. La belleza de las mujeres de Botticelli es única, pero no siempre nos habla de la realidad. Los vestidos transparentes y volantes, cosidos con flores, no representan la tradición. Es importante saber que existían reglas escritas que establecen qué se podía vestir y qué no era adecuado mostrar en público. Se trata de las Leyes Suntuarias: un manual de la moda oficial que se aplicaba a todos, ricos y pobres. El sexo, el estatus social y la religión determinaban la moda del pasado.
La Vestimienta florentina
La moda en Florencia es riqueza y prestigio. Cada color tiene un significado, cada tejido tiene un índice de precio e importancia. Haz un viaje por la moda visitando los Uffizi y la Galería Palatina de los Médici.
Las leyes suntuarias intervienen para regular, por ejemplo, los escotes de las señoras, la longitud de los velos y de las colas de los vestidos. También los colores en la moda tenían un significado importante. La Iglesia intervenía con firmeza para determinar estrictos modelos a seguir; por ejemplo, las mujeres no casadas no podían vestir terciopelo y damasco. La riqueza no debía ostentarse para no confundir al pueblo.
Filippo Lippi, Doble Retrato, Nueva York
La Moda italiana y sus reglas
Las autoridades florentinas de los siglos XIV y XV condenaban no solo los vestidos cortos, sino también ciertas combinaciones de colores y la ostentación del lujo, especialmente en los niños. Abundaban las multas. Los ricos siempre han sido propensos a sobrepasar las reglas, por lo tanto, las autoridades florentinas establecieron que las infracciones de las reglas suntuarias del decoro fueran castigadas con multas. Los niños no podían mostrar prendas decoradas con oro y accesorios que ostentaran riqueza y prestigio. Incluso las prostitutas tenían un código de reconocimiento que venía dado precisamente por la ropa y los colores que vestían. Las prostitutas debían ser perfectamente reconocibles gracias a un velo de color amarillo colocado en el cuello o anudado en el cabello. No podían usar cinturones, botones y accesorios de lujo como plata y oro. El rojo, el púrpura y los tejidos bicolores estaban desaconsejados.
La moda extravagante del Renacimiento italiano
El deseo de distinguirse, de crear modas alternativas y tendencias es una práctica viva también en el siglo XV. Mientras que los hombres maduros cubrían la cabeza con un gorro y el cuerpo superponiendo una capa con capucha sobre el Farsetto, los jóvenes desobedecen a menudo las leyes suntuarias. “I Giovinozzi” llevaba el jubón (farsetto) corto dejando el ombligo al descubierto. Las calzas no abrochadas, sino abiertas a los lados, “fesse”, de diferentes colores, no estaban sujetas al torso, dejando a la vista las bragas. Exponer el cuerpo de esta manera, sucinto y acentuado, exponía a los jóvenes a las duras críticas de las autoridades religiosas, como se lee en los famosos sermones de San Bernardino de Siena.
Las Flores en el Cabello: simbolismo y tradición
No sabemos si las imágenes que nos llegan de las pinturas de Botticelli son verdaderos retratos y no rostros fruto de un delirio de belleza y sensualidad. Sin embargo, siguen siendo una imagen de una sensualidad y gracia inalcanzables. Los cabellos recogidos en estas guirnaldas de flores no son obra de la fantasía. Ya antes de Botticelli, muchachas con flores en el cabello son celebradas en exceso por Giovanni Boccaccio, luego por el poeta renacentista Angelo Poliziano. Estas muchachas, “acostumbradas”, trenzan su cabello con flores frescas, así simbolizan su frescura virginal; otras se adornan con hojas y romero, aunque a los ojos de las mujeres mayores, parecían “brochetas de cordero”.
Sandro Botticelli, Ritratto femminile. Berlino
¿Cómo era el peinado en el Renacimiento?
Las mujeres con el cabello recogido en trenzas parecen evocar una antigua iconografía de la Emperatriz Faustina. Un moño de cabello rodea la frente de este rostro femenino que ha perdurado a través de los siglos para volver con fuerza en la mente del gran Miguel Ángel Buonarroti, quien no desprecia, sino que parece amar particularmente este peinado. Los rostros de sus Vírgenes y Sibilas tienen este tipo de recogido.
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Como se vestian los hombres en renacimiento
Los hombres del siglo XV llevaban largas calzas, sujetas al Farsetto, o a un pequeño pantalón. Si las calzas cubrían también los pies, se llamaban “solate”. Son las típicas calzas a rayas bicolores que encontramos en muchas pinturas antiguas. Llevar las calzas abrochadas y ajustadas era la norma, mientras que una calza caída o no ajustada era sinónimo de descuido.
Filippino Lippi, Detalle de la Adoración de los Magos, Florencia
Moda masculina: el Farsetto y la Bragueta
El Farsetto era un elemento primario de la moda masculina. Para cubrir el pubis estaba la bragueta, una concha que, por decoro y protección, se ostentaba en las clases más ricas, decorada y destacada al máximo como sinónimo de virilidad. Los hombres que ocupaban roles de responsabilidad política o socialmente acomodados, llevaban una capa sobre el torso. Otros llevaban la Guarnacca, una túnica ceñida a la cintura, abierta a los lados, sin mangas, a menudo de damasco
Industria Textil de Florencia
Cuando se habla de moda en Florencia, es imprescindible mencionar los tejidos: lana y seda. La ciudad toscana fue uno de los mayores centros de producción de tejidos en Italia. Incluso hoy, al pasear por las calles de Florencia, se pueden ver los antiguos palacios de la “Arte de la Lana” y el barrio de los tejedores. ¿Sabías que en Florencia todavía existe la antigua fábrica de seda donde se producían estos tejidos? Visita el Setificio de Florencia.
Color y la técnica de la Moda Renacentista
Los colorantes más utilizados eran los siguientes: Carmesí, para obtener un rojo intenso o rojo carmesí. Se extraía del insecto Coccus ilicis, un parásito del roble que provenía de Sicilia, Cerdeña, el sur de Francia, el norte de África y Oriente Medio. Rubia, para obtener un rojo anaranjado. Se extraía de las raíces de la Rubia tinctorum, una planta del sur de Europa, cultivada en Lombardía, Romaña y Toscana. Se utilizaba para teñir lana, seda y algodón.
Significado del Color Negro
Y luego estaba el color negro, símbolo de riqueza, porque un buen negro profundo, que permanecía inalterable con el tiempo sin desteñirse, requería un largo proceso de teñido y debía pasar por varios baños de fijación. Un buen tejido negro era, por tanto, muy costoso. Se obtenía con baños sucesivos de azul, rojo y amarillo (para un resultado más estable), o con una mezcla de agallas, goma arábiga y limaduras de hierro.
Moda y Joyería en el Renacimiento
La joyería en el Renacimiento se caracterizó por una gran opulencia y sofisticación. Las joyas eran utilizadas como símbolos de estatus y riqueza, por lo tanto, la joyería renacentista se caracterizó por el uso de temas mitológicos y alegóricos en las piezas. Las gemas y rubinos se montaban en camafeos y colgantes.
La moda florentina es única. El antiguo arte de los orfebres se aprovechó en la pintura y en el textil. Ya desde la Edad Media en Florencia el oro puro se utilizó para decorar ropa y textiles. Citamos dos ejemplos más famosos
Broccatello: tiene un fondo de raso creado por una trama lanzada de seda, mientras que la obra en relieve se obtiene con una trama de lino; los hilos de seda pueden estar entretejidos con oro. Brocado: es un tejido decorado con brocchi (grupos de hilos levantados o “rizos” que pueden tener diferentes alturas); a la trama de raso del fondo se le introducen una o más tramas adicionales, ya sea con hilo metálico de oro o plata, o con hilo de seda, lana, lino o algodón, para crear los diseños. Damasco: es un tejido de un solo color en el que el diseño operado opaco sobre fondo brillante se introduce en ambas caras.
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